Хорошо отражен в Эрмитаже последний период творчества ван Дейка, когда он в качестве придворного художника английского короля Карла I Стюарта создал целую галерею парадных портретов английской знати. Таковы портреты Карла I Стюарта, королевы Генриетты-Марии, сэра Томаса Уортона и другие.
Расположенные в смежном зале картины Иорданса, Снейдерса, Броувера и Тенирса дают возможность с исчерпывающей полнотой изучить фламандскую живопись XVII века, в которой необыкновенно ярко проявились черты национального характера фламандского народа.

Мировой известностью пользуется эрмитажное собрание голландской живописи XVII века. Оно включает 25 полотен Рембрандта и многочисленные произведения художников времени расцвета реалистического голландского искусства.

Прошедшая через революцию, добившаяся независимости, утвердив-шая самый передовой для того времени социальный строй — буржуазную республику, Голландия достигла в XVII столетии высокого культурного подъема, особенно ярко проявившегося в замечательных достижениях живописи. Голландское искусство встало на путь реалистических завоеваний. Оно черпало сюжеты из окружающей действительности; портрет, бытовая живопись, пейзаж, натюрморт, изображение животных — его излюбленные жанры. Художники Голландии правдиво изображали людей, населявших эту маленькую страну, — рыбаков и крестьян, купцов и хозяек, ремесленников и солдат, а также все, чем гордился голландец, что радовало его глаз, — корабли, тучный скот, столы, накрытые для трапезы, цветы, взращенные трудолюбивыми руками, и родную природу—море, пустынные дюны, замерзшие каналы, низкое небо, влажный воздух, бледные краски приморского северного края.

Голландские художники наполнили свои картины воздухом и светом, разрешив, таким образом, одну из сложнейших живописных проблем. С удивительным умением они передавали внешние особенности предме-тов: блеск металла, прозрачность стекла, переливы шелка.

Среди полотен голландских живописцев, хранящихся в музее, следует выделить пейзажи Якоба Рейсдаля, Яна ван Гойена, Арта ван дер Неера; натюрморты Питера Класа, Виллема Класа Геды, Кальфа; жанровые сцены Остаде, Питера де Гоха, Стена, Терборха, Метсю, Мириса; изображения животных Поттера и два портрета, написанных с подлинным вдохновением в широкой свободной манере выдающимся художником Голландии Франсом Гальсом (1580—1666).

Центральное место в голландской живописи занимает Рембрандт (1606—1669)—великий художник-реалист. В отличие от большинства своих соотечественников, специализировавшихся каждый в каком-нибудь одном жанре, Рембрандт писал картины на исторические, мифологические, религиозные сюжеты, работал в области портрета и пейзажа. Ранних произведений Рембрандта до нас дошло немного, одно из них — «Портрет воина» в Эрмитаже. Портрет выполнен в характерной для этого периода жесткой манере; легко подметить, что в поисках выразительности молодой Рембрандт обращается к несколько необычному контрастному освещению, он открывает способность светотени усиливать эмоциональность образа. В дальнейшем, проблема светотени была им разрешена с непревзойденным мастерством.

1630-е годы, пора первых жизненных успехов Рембрандта, представ-лены в Эрмитаже выдающимися произведениями. Здесь прежде всего должна быть названа жемчужина коллекции «Даная». Этот сюжет, довольно распространенный в искусстве XVI—XVII веков, своеобразно решен Рембрандтом. Не золото, как это сделано Тицианом, а свет, струящийся из глубины теплым, золотистым потоком, устремляется к Данае, озаряет лицо молодой женщины; ее обнаженное тело как бы оживает.

Библейские темы Рембрандт обычно трактовал как реальные события и стремился, особенно в последние годы своей жизни, выразить в них свои этические идеалы, размышления о сущности человеческой жизни.

Глубокий реализм художника, широта его творческих замыслов были чужды окружавшей его буржуазной среде. В начале 1640-х годов последовал разрыв Рембрандта с официальным обществом Амстердама.

К этому периоду относится хранящаяся в Эрмитаже картина «Святое семейство». Она изображает семью плотника, где царит покой и уют. Хозяин дома работает за верстаком, мадонна, оторвавшись от книги, заботливо приподымает полог колыбели, в которой спит дитя. Необы-чайно тонко и проникновенно раскрыл художник красоту духовного мира простых скромных тружеников.

Последние годы жизни Рембрандта — пора наивысшей творческой зрелости — представлены в Эрмитаже необычайно богато произведениями, вошедшими в золотой фонд мирового искусства: ряд портретов, «Давид и Урия» и законченное в год смерти «Возвращение блудного сына». В основу сюжета картины положена евангельская притча о легкомысленном юноше, который, покинув отчий дом, предался разгулу, впал в нищету и после тяжких испытаний, раскаявшись, вернулся домой. Сдержанно, но предельно выразительно повествует Рембрандт о душевных переживаниях отца и сына.

Юноша опустился перед отцом на колени, изорванная одежда напоминает о том, что путь скитальца был долог и труден; его фигура, обращенная к зрителю спиною, убедительно передает раскаяние. Слепой старик, склонившись над сыном, легким движением касается его плеч; лицо и руки отца выражают бесконечную любовь, нежность и прощение.

В этом произведении пламенная вера Рембрандта в человека, в вели-кую облагораживающую силу любви получила свое наиболее яркое воплощение.
В Эрмитаже тринадцать портретов кисти Рембрандта, лучшие из них - это портреты, созданные в 1650—1660-е годы, когда особое внимание художника привлекали старые лица, как бы хранящие печать жизненной мудрости. В этих портретах тонко охарактеризован внутренний мир изображенных людей: свет выделяет лицо и руки; все остальное, что может отвлечь от самого человека, - детали одежды и окружающей обстановки - растворяется в мягком полумраке.

Офорты, выставленные здесь же в зале, свидетельствуют о том, что Рембрандт был замечательным мастером графики.

Эрмитажная коллекция широко известна за пределами Советского Союза. В 1956 году, когда отмечалось 350-летие со дня рождения Рембрандта, в Амстердам на международную выставку, где экспонировались картины из музеев разных стран, направили шесть картин из Эрмитажа.

Высокое художественное качество и прекрасная сохранность эрмитажных картин обеспечили им почетное место в рядах экспонатов, а «Флора» украсила обложку каталога выставки.

При обзоре отдела истории западноевропейского искусства следует остановиться на немецкой выставке, которая включает интереснейшие памятники художественной культуры Германии XV—XX веков. Выставка расположена на втором (XV—XVII века) и третьем (XVIII—XX века) этажах Зимнего дворца.
В первых залах экспонируются произведения искусства XV— XVI веков - живопись, графика, деревянная скульптура, резьба по кости, изделия серебряных дел мастеров Аугсбурга и Нюрнберга и т. д.

Творчество великого представителя немецкого Возрождения Альбрехта Дюрера (1471 —1528) представлено гравюрами. Экспозицию открывают несколько листов («Четыре всадника», «Вавилонская блудница», «Архангел Михаил») знаменитого цикла «Апокалипсис» — первой большой серии гравюр на дереве, выполненной Дюрером в 1498 году. В этих произведениях, отразивших настроение части немецкого общества накануне Реформации, туманное евангельское пророчество о кончине мира воплощено в конкретных, жизненных образах.

Гравюра резцом, занимавшая важное место в творчестве Дюрера, представлена такими широко известными вещами, как «Три крестьянина», «Блудный сын», «Дама с ландскнехтом», «Мадонна с обезьянкой» и др. Среди них следует выделить три произведения 1513—1514 годов — «Рыцарь, смерть и дьявол», «Святой Иероним в келье» и «Меланхолия»,— которые считаются венцом мастерства Дюрера в области гравирования на меди.

Остротой характеристик отличаются портреты гуманистов и общественных деятелей (Меланхтона, Пиркгеймера, Эразма Роттердамского), созданные художником в последние годы его жизни.

С творчеством современника Дюрера великого немецкого художника Ганса Гольбейна (1497/8—1543) знакомит живописный «Портрет Эразма Роттердамского» и ряд гравюр.

Значительно полнее показано искусство третьего крупнейшего художника Германии XVI столетия Лукаса Кранаха Старшего (1472—1533). Картины «Венера и Амур», «Мадонна с младенцем под яблоней», «Женский портрет» принадлежат к числу лучших работ этого мастера.

Выставка, расположенная в залах третьего этажа, дает представление о путях развития немецкого искусства XVIII—XIX веков на примерах творчества ряда выдающихся Мастеров, среди которых назовем имена Менгса (1729—1779), Графа (1736—1813), Менцеля (1815—1905),
Кируса (1789—1869), Лейбля (1844-1900), Фейербаха (1829 1880), Леибаха (1836 1904), Либермана (1847—1935) и др. Значительное место занимает в экспозиции творчество пейзажиста-романтика Фрид риха (1774—1840).

На выставке экспонирован немецкий фарфор, изобретение которого в 1709 году Иоганном Бётгером (1682—1719) открыло новый этап в керамическом производстве Западной Европы. В 1710 году в Мейссене был основан первый фарфоровый завод.

Вслед за Саксонией «секретом» изготовления этого модного в то время материала овладели и другие западноевропейские страны, где вскоре создаются фарфоровые мануфактуры.

В зале фарфора можно видеть редчайшие образцы из красновато-бу-рой «каменной» массы — этой предшественницы фарфора, которую получил Бётгер в процессе своих опытов; рядом — ранние вещи, простые по форме, одноцветные белые, украшенные рельефом или скупой росписью. И, наконец, изделия периода расцвета, отмеченные прославленной маркой Мейссена — двумя скрещенными мечами. Среди них фигуры животных и птиц, выполненные по моделям Кендлера (1706—1775) —талантливого скульптора-модельера Мейссенской фарфоровой мануфактуры.

Эрмитажные коллекции фарфора отличаются исключительным богатством. Здесь имеются изделия многих западноевропейских заводов — Севра (Париж), Вены, Копенгагена, мануфактур Германии, Италии, Испании, Англии, в частности, художественная керамика знаменитой английской фабрики Веджвуд и т. д.
Уникален фаянсовый сервиз «Зеленая лягушка», сделанный на фабрике Веджвуд в 1773—1774 годах для одного из дворцов Екатерины II; сервиз состоит из 952 предметов, которые украшены изображением 1244 пейзажей — видов Англии. На каждой вещи помещен своеобразный герб — маленький щит с зеленой лягушкой в центре.

Надо заметить, что английское искусство за пределами Англии, в музеях других стран, представлено чрезвычайно слабо. На этом фоне выделяется коллекция Эрмитажа, которая располагает значительным собранием самых разнообразных памятников английского искусства XVII—XIX веков, куда входят живопись, гравюры, шпалеры, серебро, мебель.

На выставке английского искусства находятся картины крупнейших художников Англии: Рейнольдса (1723—1792), Гейнсборо (1727— 1788), Ромнея (1734—1802), Морланда (1763—1804), Лоуренса (1769— 1830), Уилки (1785—1841), Бонингтона (1801 — 1828) и гравюры с известных картин Хогарта (1697—1764) «Модный брак» и «Предвы-борная агитация».

Страны Северной Европы—Дания, Швеция, Норвегия, Финляндия — представлены в музее характерными, а в некоторых случаях первоклассными вещами. В качестве примера можно указать на собрание произведений знаменитого датского скульптора Торвальдсена (1770—1844) и интересный подбор картин финского художника Эдельфельта (1854—1905).

На выставке французского искусства можно видеть лучшие образцы того, что создано художественной культурой Франции на протяжении почти пяти веков (XV—XIX). Идя по залам от столетия к столетию, посетитель как бы перелистывает страницы увлекательной книги.

Два небольших зала искусства XV—XVI веков: расписные лиможские эмали, миниатюры, карандашные портреты работы выдающихся художников Франсуа Клуэ (около 1520—1572) и Дюмустье (около 1540 — после 1600). По преданию, такие портреты своих политических противников королева Екатерина Медичи накануне Варфоломеевской ночи раздала убийцам с тем, чтобы они могли безошибочно опознать свою жертву. Здесь же редкое собрание Художественных фаянсовых изделий Бернара Палисси (1510—1590?) и хрупкие сохранившиеся в единичных экземплярах фаянсы Сен-Поршера (городок на юге Франции).
Далее живопись XVII столетия: торжественные полотна основоположника классицизма великого французского художника Пуссена (1594— 1665) «Танкред и Эрминия», «Пейзаж с Полифемом», «Эсфирь перед Артаксерксом»; пейзажи Клода Лоррена (1600 4682); небольшие, мастерски выполненные картины «Семейство молочницы» и «Посещение бабушки» художника-реалиста Луи Ленена (1598—1648).
Характер официального искусства XVII века — периода расцвета абсолютизма во Франции — во многом определяется приписываемым королю Людовику XIV изречением «Государство — это я». Искусство прославляло короля то в образе римского императора, как это сделано в бронзовой модели памятника скульптором Жирардоном (1628—1715), то в образе Александра Македонского, изображенного на картине «Великодушие Александра Македонского» придворным живописцем П. Миньяром (1612—1695).

Начало XVIII века отмечено творчеством одного из крупнейших художников Франции Антуана Ватто (1684—1721), мечтательного и меланхоличного, запечатлевшего в сценах «галантных празднеств» образы своих современников («Капризница», «Затруднительное предложение»),
В ряде залов находятся изделия французских мануфактур, поставляв-ших предметы роскоши ко всем дворам Европы: тончайшие кружева, фарфор, гобелены, серебро, мебель, отделанная черным деревом, черепахой, перламутром и бронзой.

Дворянское искусство XVIII века, по выражению современника, «должно было нравиться»; амуры, венеры, пастухи и пастушки были героями картин художников, во главе которых стоял Буше (1703—1770) — первый живописец короля. «Пасторали и пейзажи. Какие краски! Какое разнообразие! Но где же видели пастухов, спрашиваешь себя, одетых с такой элегантностью и с такой роскошью?» — писал в 1761 году Дени Дидро по поводу картин Буше.
От братьев Ленен через Ватто тянутся линии реалистического искус-ства к Шардену (1699—1779). Его картины «Прачка» и «Молитва перед обедом» вводят зрителя в круг интересов, повседневных забот и дел небогатой французской семьи. Этот мир рядовых людей передан Шарденом просто и задушевно, с большой живописной убедительностью и противопоставлен идеалам аристократии. Шарден был выдающимся мастером натюрморта. Написанный им в 1766 году для Петербургской Академии художеств «Натюрморт с атрибутами искусств» подкупает тонким колористическим мастерством, сочетающимся со строгой продуманностью композиции.

Осмотр картин Грёза, Фрагонара, Берне, Гюбера Робера завершает знакомство с французской живописью кануна революции 1789 гола.
Среди французской скульптуры этого периода следует выделить про-изведения создателя «Медного всадника» Фальконе (1716—1791) — «Амур», «Флора», «Зима» и изваянную Гудоном (1741 —1828) знаменитую статую Вольтера, сидящего в кресле. Скульптор сумел передать неистощимую энергию, острый ум, едкий сарказм великого французского просветителя.

Большая выставка, расположенная на третьем этаже, освещает пути развития французского искусства на протяжении XIX— начала XX века.
В первом зале, посвященном искусству времени французской буржуазной революции 1789—1794 годов, интересный материал для изучения эпохи дают карикатуры на старый порядок, дворянство, духовенство, короля, а также литографии и гравюры с изображением важнейших событий революционных лет.
В гравюре воспроизведена и картина главы революционного классицизма Жака Луи Давида (1748—1825) «Клятва Горациев», получившая в свое время большой общественный резонанс. Эрмитаж не располагает живописными произведениями Давида периода революции. Некоторое представление о характере этого искусства, призванного воспитывать в человеке чувство долга и гражданской доблести, дает картина Летьера (1760—1832) «Смерть Катона Утического». Образ героя, готового умереть, но не пережить гибель свободы, был созвучен устремлениям времени. Представленная на выставке большая картина «Сафо и Фаон» поздняя вещь Давида, академически холодная, нейтральная по сюжету,— показатель того, что в годы Империи от революционных настроений бывшего члена Конвента, творца «Смерти Марата», не осталось и следа. С искусством позднего классицизма знакомят также работы Энгра (1780—1867) «Портрет графа Гурьева» и Жерара (1770—1837) «Портрет Жозефины». Затем следует полотно предшественника романтиков Антуана Гро (1771 —1835) «Наполеон на Аркольском мосту» и две вещи главы романтизма Эжена Делакруа (1798—1863)—«Охота на львов» и «Марокканец, седлающий коня».
Затем идут пейзажи барбизонцев — Теодора Руссо (1812—1867), Дюпре (1811—1889), Диаза (1808—1876), Добиньи (1817—1878), с име-нами которых связано зарождение реалистического направления во французской живописи XIX века. Барбизонцы — условное название группы художников, обосновавшихся в деревне Барбизон под Парижем, где они создавали правдивые картины родной природы на основании этюдов, написанных с натуры. Несколько в стороне от них стоял Камиль Коро (1796—1875), один из наиболее тонких мастеров пейзажа, полотна кото-рого украшают выставку.

Произведениям барбизонцев близки по духу две небольшие вещи «Пейзаж с убитой лошадью» и «Крестьянки с хворостом». Первая из них принадлежит кисти Густава Курбе (1819—1877) —крупнейшего мастера французского реализма XIX века, активного деятеля Парижской Ком-муны, вторая — Франсуа Милле (1814—1875), посвятившего себя изображению тем крестьянского труда.

Последующий осмотр литографий Оноре Домье (1808—1879), беспощадно и страстно разоблачавшего неприглядную действительность буржуазной Франции, и, наконец, беглое знакомство с живописью «Салонов» — ежегодных выставок академического официального искусства — вводит зрителя в атмосферу острой борьбы направлений, которая определяла развитие французской художественной культуры на протяжении всего XIX столетия. К 70-м годам достигает расцвета импрессионизм, зародившийся ранее как протест против рутины, царившей в академическом искусстве, за которым стояли правящие слои французского буржуазного общества.

Выступая наследниками реалистических традиций, художники- импрессионисты обогатили живопись свежим, радостным колоритом, тонкой передачей воздушной среды, насыщенной светом. Они писали только с натуры (заканчивая картину не с этюдов в мастерской, как это делали их предшественники, а на открытом воздухе), фиксируя непосредственность первого зрительного впечатления. Они передавали цветовое богатство реального мира, его вечно меняющийся в зависимости от освещения внешний облик.

Но сосредоточив свое внимание на чисто живописных задачах, импрессионисты тем самым сузили возможности искусства и отодвинули социальную тему на задний план.

Наиболее последовательным представителем импрессионизма был пейзажист Клод Моне (1840—1925). Его картина «Впечатление. Восход солнца» (Impression. Soleil levant), выставленная в 1874 году в Париже, дала название всему направлению. Хранится она в Париже. В Эрмитаже редкий подбор работ Моне — «Дама в саду», «Берег реки», «Уголок сада в Монжероне», «Стог сена», «Мост через Темзу» и др.

Пейзажистами были и Альфред Сислей (1839—1899), и Камиль Писсарро (1830—1903); последнего привлекала тема города с его движением и сутолокой («Бульвар Монмартр», «Оперный проезд в Париже»), Огюст Ренуар (1841 — 1919)—один из основателей импрессионизма, писал преимущественно портреты («Девушка с веером», «Портрет дамы в черном», «Портрет актрисы Жанны Самари» и др.) и женскую обнаженную натуру.

Примыкавший к импрессионизму Эдуард Дега (1834—1917) представлен на выставке несколькими рисунками и пастелями. Художник достигает выразительности в передаче мимолетного движения фигур, непринужденности поз и жестов.

Вместе с картинами импрессионистов выставлены мраморы Огюста Родена (1840—1917) —крупнейшего представителя французского ваяния XIX столетия и бронзы

Майоля (1861—1942), а также работы талантливых мастеров графики — Анри Тулуз-Лотрека (1864—1901) и Теофиля Стейнлейна (1859—1923). Тулуз-Лотрек — острый рисовальщик в многочисленных литографиях дал сатирическую галерею образов парижской богемы. Стейнлейн стал на сторону пролетариата: жизнь рабочих, протест против социальной несправедливости капитализма были темой его искусства.

В 1880-х годах наступает кризис импрессионизма, который явился отражением общего кризиса буржуазной культуры.
В сложной обстановке крайнего обострения общественных противоречий протекает деятельность следующего поколения мастеров живописи — постимпрессионистов.

Период постимпрессионизма (1886—1906 годы) в музее отражают многочисленные работы Поля Сезанна (1839—1906), Поля Гогена (1848—1903), Винсента ван Гога (1853—1890). Очень разные в своей творческой индивидуальности, эти художники, наследовав живописные достижения импрессионистов, каждой в одиночку искали новых путей. Однако отход от глубоких социальных проблем современности обусловил ограниченность их искусства, отмеченного печатью субъективизма.

Последующий этап характеризуется идейным разбродом, отсутствием единого художественного стиля, формированием различных антиреалистических течений, группировок и манер, получивших свое дальнейшее развитие в современном буржуазном искусстве — экспрессионизме, сюрреализме, абстракционизме и т.д., свидетельствующих о полном разложении художественной культуры капиталистического мира.
Материал, которым располагает Эрмитаж, позволяет показать искус-ство Франции только до начала первой мировой войны. В последних залах выставки экспонированы сравнительно ранние работы Поля Синь- яка (1863—1935), Анри Матисса (1869—1954), Мориса де Вламинка (1876—1958), Ван Донгена (род. в 1877 г.), Андре Дерена (1880—1948), Альбера Марке (1875—1947) и Пабло Пикассо (род. в 1881 г.), художника яркого, сложного и противоречивого, крупного прогрессивного деятеля Франции, награжденного в 1950 году Международной премией мира, а в 1962 году Ленинской премией за укрепление мира и дружбы между народами.

В одном из соседних залов размещена небольшая коллекция итальян-ской живописи XX века, где представлены работы выдающегося худож-ника и общественного деятеля современной Италии Ренато Гуттузо (род. в 1912 г.).

Богатство эрмитажных коллекций позволяет создать, помимо выставок, посвященных искусству отдельных стран, самостоятельные выставки различных изделий художественной промышленности Западной Европы. Так, в бывшем соборе Зимнего дворца выставлен фарфор, в одном из залов — художественное серебро, в другом — средневековое оружие, в большой галерее — редкое собрание шпалер и гобеленов, в Особой кладовой— ювелирные изделия XVI—XIX веков.