Исключительным богатством отличаются коллекции отдела истории западноевропейского искусства. Они включают памятники художественной культуры разных стран и так обширны, что занимают более ста экспозиционных залов во втором и третьем этажах музейных зданий Эрмитажа.

Самые ранние по времени экспонаты хранятся на выставке «Прикладное искусство средневековой Европы XI—XV веков», это преимущественно предметы религиозного культа. Серебряная церковная утварь, лиможские эмали, изделия из бронзы и дерева, ткани, художественная резьба по кости — складни, ларцы, мелкая скульптура; цветные витражи — все это плоды трудов и мастерства безымянных ремесленников разных стран. После осмотра этой выставки следует пройти в зал оружия и там продолжить знакомство с искусством средневековой Европы.

В течение столетий над духовной жизнью средневекового общества тяготела диктатура церкви. Наука была «верной служанкой богословия»; в искусстве, утверждавшем идею отрешенности от всего земного, господствовали символика и условность.
Первой среди западноевропейских стран на путь прогрессивных социальных и культурных завоеваний встала Италия. В итальянских городах в ожесточенной борьбе с феодальными устоями складывалась новая культура. Она отличалась светским, оптимистическим характером и была проникнута верою в неисчерпаемое богатство духовных сил человека. Высокого расцвета достигли литература и искусство. Современники назвали это время эпохой Возрождения.

Это был, как отмечал Энгельс, величайший прогрессивный переворот из всех пережитых до того времени человечеством.
Искусству итальянского Возрождения в Эрмитаже посвящена большая выставка. Даже краткое знакомство с представленными на ней памятниками убеждает в том, что в центре внимания художников Воз-рождения стоял реальный, земной человек. Религиозные сюжеты, столь обычные для искусства средневековья, продолжали существовать, но они трактовались иначе, как светские, бытовые сцены, наполнялись иным, глубоко человечным содержанием.

XV столетие—Раннее Возрождение — прошло под знаком упорных поисков и важных открытий; художники разрабатывали законы перспективы, учение о пропорциях, приемы композиции и стремились в своих произведениях передать богатство окружающего мира.
Следуя по выставке от икон XIV века до произведений Леонардо да Винчи, легко подметить коренные сдвиги в искусстве, которое шло по пути овладения передачей реальной действительности. Творчество Леонардо да Винчи (1452—1519), завершившее достижения XV века, знаменовало собой более высокий этап в развитии искусства — Высокое Возрождение.

Леонардо, по определению Энгельса, был не только великим худож-ником, но и великим математиком, механиком и инженером, которому обязаны важными открытиями самые разнообразные отрасли физики.

Он работал медленно, бесконечно экспериментируя, стремясь в процессе творчества разрешать новые, еще только поставленные искусством его времени задачи. До наших дней дошло немногим более десятка живописных произведений художника, рассеянных но музеям разных стран. Остальное невозвратно утеряно; некоторые картины и скульптуры погибли еще при жизни их творца.

Картины Эрмитажа «Мадонна Бенуа» и «Мадонна Литта» принадлежат к числу лучших творений великого мастера.

«Мадонна Бенуа», или «Мадонна с цветком», написана около 1478 года. Это раннее произведение отличается такой оригинальностью творческого замысла, таким совершенством исполнения, что по праву может быть причислено к шедеврам мирового искусства. Отказавшись от традиционного изображения мадонны — величавой, грустной, задумчивой,— художник создал одухотворенный женский образ, исполненный земной прелести.

Мадонна представлена весело смеющейся, очень юной, в нарядном платье флорентийской горожанки, с изящной прической. Она сидит в небольшой полутемной комнате и, протягивая ребенку цветок, радостно наблюдает за неуверенными еще движениями младенца, тянущегося к лепесткам.

Мягкая светотень окутывает фигуры и придает лицам тонкую выразительность и живую подвижность. Крепкое, пухлое, как бы вылепленное с помощью светотени тело младенца свидетельствует о том, что открытия Леонардо-ученого помогали Леонардо-художнику: не случайно он называл живопись наукой и законной дочерью природы.

История этой картины несколько необычна. Известно, что еще в конце XVII века она находилась во Флоренции. Затем след ее теряется. В 1824 году коллекционер Сапожников купил картину в Астрахани у проезжего итальянского музыканта. Позднее она перешла к семье Бенуа, а затем в Эрмитаж.
Тема прославления человека, больших человеческих чувств еще сильнее звучит в произведении конца 1480-х годов «Мадонна Литта», где в проникновенном женском образе, возвышенном и поэтическом, сочетающем в себе физическую и духовную красоту, воплощен идеал человека эпохи Возрождения.

Младший современник Леонардо да Винчи великий Рафаэль (1483— 1520) представлен в Эрмитаже также двумя произведениями. Если «Сикстинская мадонна» Дрезденской галереи характеризует высший этап творческой зрелости художника, то эрмитажная «Мадонна Конестабиле» может считаться лучшим произведением его юных лет.

Мадонна задумчиво глядит в книгу, к которой шаловливо тянется ребенок. Чистый, лиричный образ молодой женщины гармонически сочетается с нежным весенним пейзажем, прочувствованно написанным семнадцатилетним Рафаэлем.

В композиции «Святое семейство», созданной несколько лет спустя, Рафаэль достигает простоты, ясности гармонии, характерных для стиля Высокого Возрождения. Величаво-прекрасные образы мадонны и Иосифа— образы собирательные. В одном из писем Рафаэль раскрыл сущность своего творческого метода: «Для того, чтобы написать прекрасную женщину, надо было бы мне видеть множество прекрасных женщин, но так как прекрасных женщин и истинных ценителей мало, то я беру в вожатые себе некую идею..» В картине «Святое семейство» тип идеального человека, выражая синтез отдельных реальных черт, увиденных художником, отвечал гуманистическим представлениям эпохи («некой идее») о высокой значимости человеческой личности.

В музее находится единственное в мире воспроизведение (в натуральную величину) знаменитых Лоджий Рафаэля, построенных в Ватиканском дворце архитектором Браманте и расписанных учениками Рафаэля по его эскизам и под его наблюдением. Лоджии представляют собой высокую светлую галерею, сплошь покрытую росписями, где в жизнерадостном орнаменте переплетаются античные мотивы с мотивами природы. В этом своеобразном произведении искусства блестяще достигнуто единство архитектурных и живописных форм.

В центре зала, стены которого украшены итальянскими фресками кисти учеников Рафаэля, стоит статуя «Скорчившийся мальчик» — незаконченное произведение гениального скульптора, архитектора и художника Микельанджело (1475—1564). Обработанный могучим резцом мрамор передает мускулистое, полное внутреннего напряжения юное тело. Этот образ характерен для Микельанджело, прославившего в своих творениях силу, героизм и мощь человека-борца, человека-созидателя.

В Эрмитаже хранится одна из самых замечательных картин эпохи Возрождения—«Юдифь» кисти Джорджоне (1478?—1510). творчество которого открыло период яркого расцвета искусства Венеции. По свиде-тельству современника, в Джорджоне видели «художника, рожденного для того, чтобы вдохнуть жизнь в фигуры...» Действительно, изображая библейскую героиню Юдифь, убившую военачальника врагов Олоферна, Джорджоне создал благородный, несколько загадочный своей внешней сдержанностью, но глубоко эмоциональный образ молодой женщины. Большую роль у Джорджоне, как и вообще у венецианских художников, играет колорит. Переливы золотисто-оливковых, винно-красных, изум рудно-зеленых тонов усиливают выразительность этого произведения.

Восемь картин Тициана (1485—1576), великого венецианского живописца и. непревзойденного в истории западноевропейского искусства мастера колорита, составляют гордость Эрмитажа. Среди них — «Даная», написанная на сюжет древнегреческого мифа. Легенда гласила, что Зевс сошел к своей возлюбленной в виде золотого дождя. В картине — сверкающий поток монет льется на Данаю. Совершенные пропорции ее обнаженного тела свидетельствуют об обращении Тициана к античному идеалу красоты. После средневековья, предавшего забвению достижения античной культуры, деятели Возрождения обратились к изучению античности. Там они искали опору в борьбе со средневековым схоластическим мировоззрением.
В картине «Кающаяся Мария Магдалина» художник акцентирует вни-мание зрителя не на сюжете христианской легенды, а на образе молодой женщины, исполненном чувственной красоты. Мир прекрасен, а человек совершеннейшее создание природы, таков лейтмотив этого произведения. Взволнованности образа вторит мастерски написанный пейзаж со вспыхивающими на темном, грозовом небе зарницами и одиноким сгибающимся под порывом ветра деревцом.

К концу жизни Тициана в связи с общим кризисом культуры Возрождения в его творчестве звучат трагические ноты. «Святой Себастьян», написанный художником в глубокой старости, поражает силой драматизма, скорбным звучанием темы одинокого человека и вместе с тем изумительным живописным мастерством, говорящем о неиссякаемой творческой энергии великого венецианца. Тициан стоял во главе целой плеяды талантливых мастеров Венеции. Веронезе и Тинторетто — крупнейшие представители этой живописной школы второй половины XVI века—завершают эпоху Возрождения в Италии.

С творчеством Веронезе (1528—1588) знакомит в Эрмитаже ряд первоклассных полотен: праздничное «Поклонение волхвов», где на фоне яркого синего неба и нарядного архитектурного пейзажа размещены фигуры в пышных цветистых одеждах; прекрасное по серебристо-жемчужному колориту «Оплакивание Христа»; пронизанное бурным движением «Обращение Савла» и другие.

Тинторетто (1518—1594) представлен всего одною, но характерною вещью «Рождение Иоанна Крестителя». Религиозная тема трактована как жанровая сцена; женщины хлопочут около новорожденного, они одеты так, как одевались современницы художника. Убранство комнаты, кошка, крадущаяся к курице, жаровня на полу переносят зрителя в обстановку венецианского дома XVI века.

В XVII столетии Италия, уступив первенство в области искусства дру-гим странам, все же продолжает сохранять высокие художественные тра-диции.
В Эрмитаже об итальянском искусстве XVII XVIII веков дают пред-ставление многочисленные произведения крупнейших мастеров различных направлений.

Художник-реалист Караваджо (1573—1610) представлен одной из своих лучших ранних картин «Лютнистка». Тип девушки из народа, изо-браженной художником в мечтательной задумчивости, воспринимался как прямой вызов господствовавшему в то время в Италии академиче-скому искусству.
С академической живописью конца XVI начала XVII века знакомят полотна Карраччи, Доменикино. Гвидо Рени, Гверчино, Маратта.
О путях развития живописи в различных художественных центрах Италии на протяжении XVII—XVIII веков дают представление работы Пьетро да Кортона, Сальватора Роза, Луки Джордано, Креспи, Строцци, Маньяско и других.

В разделе пластики выделяется «Автопортрет» Лоренцо Бернини (1598—1680), скульптора и архитектора, признанного главы римского барокко, а также прекрасная коллекция терракотовых боццетти—скульптурных набросков мастера. С творчеством младшего современника Бернини Джузеппе Маццуола (1644—1725) знакомит эффектная декоративная скульптура «Гибель Адониса».

Следующий период в истории ваяния представлен обширным собра-нием произведений Антонио Кановы (1757—1822), ведущего скульптора итальянского классицизма («Поцелуй Амура», «Геба», «Амур и Психея» и т. д.).

Хорошо показано в музее венецианское искусство XVIII века, которое в это время переживало новый период подъема и дало таких крупных художников, как мастер декоративной живописи Тьеполо (1696—1770) и пейзажисты Антонио Канале (1697—1768) и Гварди (1712—1793).

С итальянской выставки посетитель проходит в залы испанского искусства XVI—XVII веков. Еще великий русский художник И. Е. Репин писал, что творчество некоторых испанских художников вне Прадо (самый большой музей Испании, в Мадриде) лучше всего изучать в Эрми-таже. Эрмитажная коллекция, после Прадо, занимает первое место в мире. Эрмитаж обладает двумя произведениями величайшего испанского художника Веласкеса (1599—1660). Ранняя вещь «Завтрак» при-надлежит к наиболее совершенным образцам испанского бытового жанра: живо охарактеризованы люди, сидящие за скудной, трапезой, великолепно написан натюрморт. В лаконичном «Портрете Оливареса», в глубоком раскрытии характера этого жестокого и коварного царедворца, министра испанского короля, проявился талант Веласкеса-портретиста.

Время Веласкеса называют «золотым веком» испанской живописи. Об этом говорят хранящиеся в Эрмитаже произведения крупнейших художников Испании той поры: Сурбарана, Риберы, Мурильо,— творчество которых явилось великим вкладом испанского народа в сокровищницу мирового искусства.

В XVII столетии ведущее место в художественной жизни Западной Европы занимают национальные живописные школы Фландрии и Голландии.
Во главе фламандского искусства XVII века стоял Рубенс (1577— 1640), мастер многогранного таланта: он писал картины и был учителем крупнейших художников Фландрии, создателем национальной школы граверов; по его эскизам творили скульпторы и архитекторы.

В составе эрмитажной коллекции 22 картины и 19 эскизов Рубенса. Они размещены в отдельном зале. Такие веши, как «Статуя Переры», «Союз Земли и Воды», «Персей и Андромеда», «Вакх», «Портрет каме-ристки», принадлежат к наиболее прославленным творениям живописца. Охотно обращаясь к античным сюжетам, Рубенс всегда оставался верен жизненной правде; образы его героев реалистичны и подлинно народны. В своих произведениях он воспевал красоту мира и радость жизни, отстаивал право человека на счастье. Рубенс обладал неисчерпаемой фантазией и был одним из величайших колористов.

В картине «Персей и Андромеда» проявились лучшие черты его жизне-радостного таланта. Сюжетом послужил античный миф о герое Персее, который, убив дракона, освободил принесенную ему в жертву девушку. Персей изображен мужественным и сильным юношей, закованным в металлическую броню, немного усталым после тяжелой битвы. Потупив глаза, стоит перед своим избавителем Андромеда. Хоровод амуров окружает юную чету. Сочные, сияющие краски сообщают картине осо-бенно радостное звучание. Красочное богатство художника проявляется и в маленькой картине «Статуя Цереры», где шероховатая поверхность античного мрамора и холодный блеск камня величественной архитектуры еще более подчеркнуты розовыми, теплыми телами амуров, несущих тяжелые гирлянды спелых плодов.

Алтарные образы «Снятие с креста» и «Пир у Симона Фарисея» зна комят с характером монументальных работ, в значительной мере выполнявшихся силами мастерской Рубенса. В последние годы своей жизни Рубенс писал много вещей не по заказам, а для себя. Так, знаменитый «Вакх» эрмитажного собрания оставался в доме художника до самой его смерти.

Большую ценность представляют собственноручные эскизы Рубенса, картины по ним выполнялись обычно его учениками. Среди эрмитажных эскизов особенно хороши «Охота на львов», «Коронация Марии Медичи» и «Меркурий покидает Антверпен».

«Коронация» - одна из вещей большого цикла картин «Жизнь Марии Медичи», выполненного Рубенсом по заказу французской королевы Марии Медичи, жены Генриха IV. Картина находится в Лувре (Париж), эскиз же, несколько отличающийся по композиции от самой картины в Эрмитаже.

По эскизу «Меркурий покидает Антверпен» была сделана триумфаль-ная арка, одна из тех, что украшали Антверпен по случаю въезда в город нового наместника Нидерландов инфанта-кардинала Фердинанда. Помимо своих художественных достоинств, эскиз интересен как отклик художника на события его времени: в аллегорической форме Рубенс говорит о необходимости прекращения длившейся несколько лет губи-тельной для Фландрии войны. «Для себя я хотел бы, — писал Рубенс в одном из писем, — чтобы весь мир был в мире и мы могли бы жить в веке золотом, а не железном».

Среди художников фламандской школы, способствующих ее славе и процветанию, первое после Рубенса место принадлежит его ученику ван Дейку (1599—1641).

Ван Дейк блестяще представлен в Эрмитаже, где хранится 26 живописных произведений, преимущественно портретов, характеризующих различные периоды творчества художника.

Здесь находится интересная ранняя вещь весьма высокого качества, «Апостол Петр», написанная до поступления ван Дейка в мастерскую Рубенса.
Ван Дейк являл собой пример удивительно рано сформировавшегося таланта. Когда он, не уступая в мастерстве своему великому учителю, создал такие замечательные вещи, -как портрет Бальтазарины ван Линник или «Семейный портрет» (находятся в эрмитажной коллекции), ему едва минуло двадцать лет. Портрет банкира Люманя позволяет проследить дальнейшую эволюцию в творчестве ван Дейка: на протяжении 1620-х годов простота его ранних произведений уступает место более эффектной подаче образа, мастерству более изысканному в живописных средствах и композиционных построениях. Один из шедевров художника, созданный в пору зрелого мастерства, — «Мужской портрет», который известен как «Портрет антверпенского врача». Творческий путь ван Дейка был непрерывным триумфом. В этом смысле характерен «Автопортрет»: баловень счастья, одаренный элегантной, обаятельной, несколько женственной внешностью — таким предстает перед глазами зрителя ван Дейк.